Batman 11: Eiskalter Schrecken: Fischer. Nur für Jungs (Batman Reihe) (German Edition)


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Inszenierung und Photographie sind einwandfrei. Das [p. Ihre schmiegsame Anmut und weiche Frauenhaftigkeit wirken mit starker Unmittelbarkeit. Es war dies Fritz Lang. Bei einem Besuch auf dem benachbarten Gute verliebt er sich in die Tochter des Hauses, die ihn durch ihren Tanz begeistert. Auf weitere Helios-Filme darf man gespannt sein. Sie ist wunschlos. Er ist der Herr ihrer Liebe. Das Drama ist zu Ende. Gilda Langer ist von der Decla-Film-Gesellschaft verpflichtet worden.

Das Manuskript stammt von Leo Koffler. Die FilmWelt Berlin vol. Der Film erscheint im Decla-Verleih. In new filmographies, the episode is mostly entitled "Die Rache der Maud Fergusson". Part 1: Berlin no.


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  • The Darkness of Light: Tomb of Shadows.

Berlin, 15 Jan no. Berlin, 24 Jan no. Part 2: Berlin no. Berlin, 02 Mar no. Part 3: Berlin no. Part 4: Berlin no. Part 5: Berlin no. Berlin, 03 Mar no. Part 6: Berlin no. Berlin, 05 Mar no. Part 7: Berlin no. Part 8: Berlin no. Berlin, 09 Mar no. The pretitle of the surviving copy lists Joseph Klein as director and Joe May as art director for part 1. Exotic locations! Death and Destiny! Early in , a new genre cast its shadows before it. The Decla Film Company announced its "Adventurer Film Series", and Joe May of the May Film Company developed an especially spectacular enterprise: one monumental film in eight parts, to be shown in weekly intervals at the end of the year.

The concept of a film series and the concept of adventure film as well was modelled on foreign predecessors, especially "The Count of Monte Christo". The eight parts were shown weekly, from December Eine Geschichte, wie man sie schon soundsooft auf der Leinwand gesehen hat. Michael Bohnen als Konsul scheut keine halsbrecherische Schwierigkeit und wirkt auch tonlos, und Henry Sze gibt den Dr. Die Abenteuerlichkeit der Handlung ist gesteigert, die Phantasie schwelgt in weiten Bezirken, und die Spannung wird immer neu aufgepeitscht.

Madsen gelingt es, mit Hilfe eines amerikanischen Ingenieurs Stanley, den er in der Sklavenstadt antraf, in den Astartetempel zu Maud zu dringen. Namentlich gemessen an der schweren Wucht des Titels. Das geht nicht. Darum will er sie vernichten. Und das geht. Armer Stanley! Und arme Maud! Sie hatte ihn so geliebt, obwohl sie nicht sein Weib geworben war. Und er wird Werkzeug der Rache. Da wankt Murphy hinaus und findet im Schneetreiben den Tod. Dies Ende ist gut -- aber es macht, entgegen dem Sprichwort, nicht alles gut, was hier fast ein Jahrviertel hindurch an Tausenden vorbeigeflimmert ist.

Wenn sich die deutsche Filmindustrie aber wieder zu einem solchen Riesenwerk aufrafft, mag sie es sich etwas mehr kosten lassen -- als nur Geld. Vossische Zeitung Berlin 02 Feb early edition. Menschenherden in schlechten Architekturen schlecht bewegt. Einiges Episodische ist trotzdem bemerkenswert, so die Neger, die ebenso wie Tiere im Film immer gut sind, und ein amerikanischer Reporter.

In der Mitte erhebt sich ein 22 m hoher Tempelbau mit interessanten architektonischen Details. Alles ist bis ins kleinste und feinste durchgebildet. Dann gelangt man zu einem je 40 m breiten und hohen Tempel der sagenhaften Stadt "Ophir", ebenfalls durchweg stilecht mit geschmackvollen Ornamenten. Recht originell ist ein gewaltiges Fabelwesen, der Moloch, dessen Augen mit Lichteffekten versehen sind. Die gesamten Baukosten betragen 1 M. Teils ist Joseph Klein und des 4.

Teils Uwe Jens Krafft. Ueber die beiden letzten Teile ist noch keine Entscheidung getroffen. Der 1. Der Titel des 2. Der 3.


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Teil, dem sich als 6. Anonymous Der teuerste Film Wir sind ein armes Volk. Teils verantwortlich zeichnet. Die anderen Teile wurden von Josef Klein und Gerhard inszeniert.

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Der Chefaufnahmeoperateur des Films war Brandes. Die Kosten aber dieses Films belaufen sich auf nahezu acht Millionen Mark. Die Hauptrolle spielt Mia May. Mia May. Die May-Stadt in Woltersdorf. Er erscheint in 8 Abteilungen, von denen jede eine in sich abgeschlossene Handlung zeigt. Diese 8 Films werden in der Zeit vom November bis Den Anfang macht: "Die Freundin des gelben Mannes". Das Manuskript wurde von Richard Hutter bearbeitet. Die Regie des 4. Und 6. Die Regie hatte Uwe Jens Krafft, [p. Die Regie hatte Uwe Jens Krafft. Bei diesem neuen Typ wechseln die Bilder kaleidoskopartig.

Der Stil ist knapp wie der Satzbau der Filmtitel. Vom 6. Mia May kann mit dem Erfolg zufrieden sein. Berliner Tageblatt 01 Feb early edition. Teiles der "Herrin der Welt" nicht mitgearbeitet habe. Rundschreiben an die Kinobesitzer! An die Herren Theaterbesitzer! Erscheinungstag des ersten Films: Oktober Die Titel dieser 8 Fortsetzungs-Filme werden lauten:. November in 8 aufeinanderfolgenden Wochen Ihr habt gezweifelt -- Aber der Film erscheint am : November UFA [p.

Die Freundin des gelben Mannes 5. Die Geschichte der Maud Gregaards Der Rabbi von Kuan-Fu Ophir, die Stadt der Vergangenheit 2. Die Frau mit den Milliarden 9. Friedrich Wilhelm Murnau. Jekyll and Mr. Hyde" by Robert Louis Stevenson. Conrad Veidt Dr. Berlin 21 Aug no. An adaptation of Stevenson's Strange Case of Dr. Murnau directed, and Conrad Veidt once again starred in a demonic role. Warren and Mr. Martin Proskauer "Schrecken" Dr. Jekyll und Mr. Man kann bereits im phantastischen Film zwei Typen von Hauptrollen unterscheiden, den hysterischen, gleichsam unter hypnotischem Zwang stehenden Mann und den Epileptiker, den organisch Kranken.

Hier im "Schrecken" spielt also nur Veidt. Aber trotzdem, wenn Veidt so etwas macht, so hebt er es wieder aus dem Konventionellen heraus zu individueller Bedeutung. Eine Szene, wie die in er Wohnung des Mr. Die Gestalt der Grace, der von Dr. Die Regie Murnau hatte geschmackvolle und manchmal wirklich englisch anmutende Interieurs geschaffen, die nobel, aber nicht protzig wirkten.

Der Film "Schrecken" hat das Phantastische zum Grundton. Jeckyll geschildert wird. Die Hauptrolle dieses Dr. Neben ihn tritt in der weiblichen Hauptrolle Frl.

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Margarete Schlegel besonders hervor, die ihrer Rolle als Grace eine starke dramatische Wirkung zu geben versteht. Die Interieurs sind sehr geschmackvoll gestellt, die einzelnen Bilder von guter plastischer Wirkung. Sagt er. Die Patenschaft ist also zahlreich. Irgendwie, irgendwo und irgendwann ist sogar einmal ein seltsam verwandtes Sujet aufgegriffen und verarbeitet worden. Jedenfalls kann es eindrucksvoll nicht geschehen sein, da die Erinnerung daran nur verschwommen ist.

Mit ihm, den Darsteller des Dr. Warren, fiel oder gelang der ganze Plan. Er gelang. Nicht steht der Erfolg als veredelnder Ausgleich, wie hinter dem Faustschen Mephistopheles, hinter diesem verbrecherischen Tun. Goethes Mephisto ist geradezu ein Engel gegen diesen Dr. Und Goethes Dr. Von den Guttaten des Dr. Was indes, wie gesagt, nicht der Fall ist. Eben noch Dr. Und bei Dr. Warren findet es sehr guten Boden. Warren -- O'Connor. Sie spielt jung und schlank und eindrucksvoll.

Andere verschwieg er. Murnau war ausgezeichnet. Die Massenszenen am Obelisk es war doch einer? Sonst aber alles tadellos. Die Augen O'Connor -- ausgezeichnet. Dekorateur Richter ist ein Meister in seinem Fach. So gut er auch sonst ist. Man feierte Veidt. In den Rahmen der Alltagsumgebung eingeengt, wirkt das Unheimliche um so explosiver.

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Aber es wird -- auch um ihn herum -- gut gespielt. Ein Dr. Warren und O'Connor ein und dieselbe Person sind. Conrad Veidt ist Dr. Den Freund gab Magnus Stifter unaufdringlich vornehm. Regie: F. Murnau; Dekorationen: H. Fabrikat: Decla-Bioscop-Sensations-Klasse. Ein vornehmer und reicher Londoner, Dr. Warren, Dr. Die Probe, der er sich selbst unterzieht, ist von furchtbarer Wirkung. Der Grundstoff des Gegenmittels ist in den Apotheken ausgegangen und erst in Wochen wieder zu haben. Hier verwandelt er sich ein letztes Mal vor des Freundes Augen in den Dr. Der alte Herr stirbt vor Schreck, seine Tochter Grace, die ebenfalls Augenzeugin gewesen ist, wird wahnsinnig.

Murnaus mit Conrad Veidt in der Titelrolle in Szene geht. Der Januskopf is an adaptation of the "Jekyll and Hyde" story. Here is a selected list indicating other important treatments of the subject. The Strange Case of Dr. It would become one of the three most well-known horror stories, inspiring hundreds of stage and film versions.

Robertson The most famous silent film version and first feature-length adaptation of Stevenson's original script sets the standard. It combines Stevenson's tale with Oscar Wilde's Picture of Dorian Gray , and adds the women's characters to the story. Fredric March won an Oscar for his brilliant performance. The transformation scene was arguably film history's first degree pan. The Two Faces of Dr. Remade by Eddie Murphy in After a hugely successful run, it opened on Broadway in , and in , the German language version opened in our home-town Bremen, starring Ethan Freeman who previously appeared e.

Berlin 13 Nov no. Released on dvd Eureka Video. Visions of the city, visions of the future -- Fritz Lang's monumental sci-fi film became the blueprint for every filmmaker's portrayal of a city of the future. Although the narrative turns out a kitschy story of lost and found love with a lame message of fraternization between capital and labor "between the brain and the hands the heart must be the mediator" , the film's visual style surely is striking. Who could forget the airplanes cruising between skyscrapers, or the creation scene in which the robot turns into Maria?

When Rotwang's spotlight hits Maria, that's pure cinema especially effective if you blow smoke into the cinema. Das ist die Gedankenwelt des Regisseurs, in die sich gebieterisch alles einordnet. Der Aufbau des Freudenpalastes Yoshiwara ein Fiebertraum. Wenn die Elemente selbst sprechen, wenn die Stimmen der Unterwelt laut werden, spielt der Mensch eine bescheidene Rolle. Nicht nur der Name ist bezeichnend.

Er ist "Der Schmale", und in seiner seltsamen, dunklen Eckigkeit, die nie ganz durchsichtig wirkt, hat er auch etwas von einer Bewachungsmaschine. Ausgezeichnet ist der "Meister der Herzmaschine" Groth von Heinrich George, eine wirklich gesehene Figur, die in all ihren Regungen geheilt und durchgebildet ist.

Sie funktioniert so einwandfrei wie das Leben in der Wunderstadt Metropolis. Und wenn nicht. Das trifft nicht zu. Ein Film wie Metropolis wird in Deutschland so leicht nicht wieder gemacht werden. Und wie auch immer das finanzielle Ergebnis sein wird -- das ideelle ist uns nicht zweifelhaft. Denn Metropolis ist nicht nur ein in Deutschland, in Europa einzigartiges Werk -- auch in der ganzen Welt, Amerikas Mammutfilme mit eingerechnet, haben wir bisher nichts Gleiches zu finden vermocht! Der Film selbst? Man kann heute sehr viel. Auch Fritz Lang kann sehr viel. Hier aber wird erfunden und stilisiert.

Bald mittelalterlicher Totentanz, bald moderner Totentanz. Bald eine Zeitanregung, bald eine Bildungsanregung, aber niemals die Orientierung von Stoffe her. Ein sachliches Thema grausam verkitscht. Fred Hildenbrandt Metropolis Judicare non necesse est, schwannecke est necesse. Drittens: soll er nach der Premiere zu Schwannecke gehen? Schon hier war er Publikum und nicht das schlechteste. Drittens: der Schriftsteller war nach der Premiere bei Schwannecke. Und ohne Scherz: hier sitzen immer welche, die wissen, was los ist und warum es los ist und nicht los ist.

Und auch hier war der Schriftsteller Publikum und nicht das schlechteste. Die Maschinen bersten, und in die verlassene Stadt der Arbeiter bricht das Wasser. Harbou, die Photographen und die Hauptdarsteller mehrmals herausrief, im ganzen aber nicht besinnungslos hingerissen wurde. Und das ist von einem gemacht, der es nicht nur kann, sondern der es hat. Wer kann es sagen, ob sie jemals wieder so sich hingibt an die Aufgabe, so besinnungslos und heftig, so traumhaft und vielstimmig, hier tat sie es. Wer diese dunkelen Massen hin- und herzerren kann, hinauf und hinab, wer den Orkan in sie tragen und entfachen und lodern lassen kann, der ist einer.

Seit gestern? Kinder auf der Flucht vor Wassermassen. Gigantische Maschinen in der Arbeit und in der Explosion. Aufruhr der Arbeiter. Optisch gesehener Ohnmachtsanfall eines jungen Menschen. Otto Huntes. Berliner Tageblatt 11 Jan late edition , pp. Ihr Symbol ist "Metropolis", die himmelhohe Wolkenkratzerstadt, die von einem Kapitalherrn beherrscht und gelenkt wird.

Die Klassenscheidung der menschlichen Gesellschaft ist vollendet. Die prozentig rationalisierten Arbeiter haben zwar keine gewerkschaftliche oder politische Organisation, hingegen pilgern sie von Zeit zu Zeit in Meter tiefe Katakomben, wo "Maria" den Arbeitern predigt. Der Liebesbund mit Maria wird besiegelt. Doch greift der starke Arm des Diktators von Metropolis ein. Er bewegt ihn, diesem das Gesicht Marias zu geben. Die Heilandsmaria hat jedoch die Kinder vor der Ueberschwemmung der Unterwelt gerettet.

Nochmals bekommt der Erfinder sie in seine Zange. Der "Mittler" siegt. Maria ist sein. Der Diktator kommt. Der Gedanke der Arbeitsgemeinschaft hat gesiegt. Abgesehen von dem kitschigen Inhalt ist die filmtechnische Leistung zweifelsohne hervorragend und in ihrer Art bisher unerreicht. Die Illusion der Wolkenkratzerstadt, die Darstellung der Maschinenunterwelt, die "Geburt" der Menschenmaschine, die Ueberschwemmung, sowie einige der Massenszenen sind ausgezeichnet. Ueber die handelnden Personen ist wenig zu sagen. Alfred Abel als John Frederson ein absoluter Versager.

Die einzige bemerkenswerte Leistung bietet Heinrich George als Maschinenmeister. Genau um eine Stunde zu lang. Nach der Idee und dem Manuskript von Thea von Harbou leben in dieser utopischen Stadt Metropolis Menschen, die wie diejenigen unserer Zeit empfinden, leiden und sich freuen.

Die Verfasserin hat wahrscheinlich an der Demokratisierung unseres Zeitalters vorbeigesehen. Viel treffender als die Milieuschilderung ist Thea von Harbou das rein Menschliche gelungen. Sein ganzes Trachten strebt danach, die ihm entrissene Jugendliebe als Maschinenmensch aufleben zu lassen. Diese junge Schauspielerin ist bester und echtester Filmnachwuchs. Metropolis ist ein Wahrzeichen der deutschen Filmkunst.

Die Presseabteilung der Ufa selbst hatte unter der Schriftleitung von Stefan Lorant eine Sondernummer des Ufa-Magazins herausgegeben, die in geschmackvoller Weise ausgestattet war. Der Ufa-Pavillon, in dem der Film ab Wenn Reklame berechtigt ist, so ist sie es bei diesem Film. Verleih: Parufamet. It's rather an adaptation than, as it is often called, the book on which the film was based.

Metropolis Film USA, Giorgio Moroder In his pop version of Metropolis , Moroder Flashdance , tinted the original film anew, changed the pace, cut it, put in new scences and equipped it with a pop music soundtrack performed by Freddie Mercury, Pat Benatar and others in the same year, the pop band Queen used images from Metropolis in their video "Radio Gaga", directed by David Mallet. A German adaptation has also been produced. Metropolis Audio book by Bob E.

Screened at the Berlin film festival on February 20, Murnau's Dracula version is the quintessential horror film: terrifying, disturbing, weird. Truly a classic! J--s "Nosferatu" Marmorsaal des Zoo I. Henrik Galeen hat diesem Roman bestimmte Motive entnommen und sie zu einem Filmspiel zusammengetan, das, wie mir versichert wird, eine handlungsgetreue Reproduktion des Stokerschen Nosferatu ist, jenes Wesens also, das als Graf Orlok in einem verwunschenen Schlosse spukt, mit Immobilien handelt und gelegentlich den Menschen das Blut abzapft.

Nosferatu kann ja nicht ganz von Scheinwerfern umstrahlt werden, er hat weder Eigenlicht, noch gibt ihm seine Epoche die Leuchtkraft von zehntausend Kerzen: er ist vielmehr ein Blutsauger, der nur des Nachts erwacht und in dieser Finsternis sein eigentliches Lebens-Element erblickt. Hutter ahnt nach zwei peinlichen Erlebnissen den Charakter seines unheimlichen Gastgebers und flieht. Wagner her. Hersteller: Prana-Film-G.

Er wollte eigentlich mit seiner Braut tanzen gehen. Da ging er zum Fest des Nosferatu. Er stand vor einer schwierigen Aufgabe. Hoffmann oder Edgar Alan Poe liest. Hier erhebt sich die Frage: "Kunst oder Nichtkunst? Sie alle verdienen restlos gelobt zu werden. Einmal wegen der Szenenbilder an sich, dann aber auch wegen der wundervollen Durcharbeitung der Szenen im einzelnen.

In herrlichen Naturszenerien schneiden Bauten ein, die einmal stilecht, zum andern aber phantastisch sein sollen. Gut gemeinte Umrahmungen, die aber unter mangelnder Vorbereitung litten. Das soll nicht bestritten werden. Aber man braucht das nicht in dem Ton zu sagen, der an jene Inserate erinnert, bei denen die Pointe lautet: "Man kann zwei Liebhabern nicht zu gleicher Zeit dienen! Seine Filmmusik war eine feinsinnige Nachempfindung des Filmspiels. Aber die Musici hielten sich wacker. Berliner Lokal-Anzeiger, Monday special edition no.

Marmorsaal des Zoo. Er schrieb eine Sinfonie des Grauens, mischte phantastisch-Uebersinnliches mit real-Menschlichem und schug die Grundlage, auf der F. Murnaus Regie aufbaute. Gustav v. Greta Schroeder mit tiefer Verinnerlichung spielte. Und Frl. Murnau, sein Bildlenker, stellt die Bildchen, sorglich durchgearbeitet, in sich abgeschlossen. Ein Motiv-Museum. Den Nosferatu gibt er einem Leinwandneuling: Max Schreck.

Sein Wesen ist Alexander Granach, absichtlich betont grotesk. Erfrischend in all dem traurigen Dunkel: Gustav v. Wangenheim, der Held, der Lichtblick, der Besieger des Vampyrs. Vossische Zeitung Berlin no.

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Die Geschichte vom gespenstischen Vampir Nosferatu, der Tod, Pest und Entsetzen verbreitet, ist mit bannender Eindringlichkeit hier zum Lichtspiel gestaltet. Henrik Galeens Manuskript ist von wirkungsvollstem, ausgewogenstem Aufbau. Murnau hat mit der Inszenierung eine Meisterleistung vollbracht. Wagners Photographie holt feinste Valeurs heraus. Aber Orlok-Nosferatu ist in einem Sarge auf ein Schiff verladen worden und gelangt gleichzeitig mit Hutter in dessen Wohnort. Der Spielleitung F. Hoffmann redivivus! Kaum innerhalb des Bannkreises jener schaurigen Feste angelangt, hat Hutter die erste gespenstische Geschichte.

Eine geheimnisvolle Kutsche erwartet ihn und bringt ihn in grausiger Fahrt zu der Burg. Das Tor springt auf, und Graf Orlok, der Nosferatu, tritt ihm entgegen. Hutter, der nach dem Verschwinden des Nosferatu gleichfalls seine Heimatreise angetreten hat, kommt dort an, als die schwarze Pest -- der Nosferatu -- ihren Einzug in die Stadt gehalten hat. Der Nosferatu ist nicht mehr. Die Photographie F.

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Wagners war sauber und geschickt. Der Tag Berlin no. Der Gruselfilm. Hoffmanns oder Poes nutzbar zu machen. Der "Nosferatu" ist eine sagenhafte Figur, ein Sinnbild des Todes. Sein Eingreifen oder Erscheinen bedeutet Schicksal. Im scharfen Licht der Jupiterlampen ist freilich das Spukhafte seines geheimsten Reizes entkleidet. Murnaus Regie aufwendet, sich sicher lohnen werden. Hans Erdmann schreiben zu lassen.

Berliner Filmspielplan in der Woche vom Berlin Oct no. Berlin 31 Mar no. In , the Decla film company installed the "Decla world class" series, to compete with foreign productions. The pious city of Florence gets mixed up by a beautiful courtesan Marga von Kierska. Excess and manslaughter only end when the plague comes in and kills everyone.

Pest in Florenz Decla-Film. Wieder ist eine Prozession unterwegs. Vor dem Volk ziehen der Erzbischof. Cesare -- der Gebieter von Florenz. Lorenzo -- sein Sohn. Da -- ist's ein Wunder? Aller Augen sehen sie an -- wie gebannt. Ist Venus selbst, die Vertriebene, wiedergekehrt, zu neuer Herrschaft, neuer Seligkeit?

Der alte Cesare schleicht sich in Julias Palast. Aber die Kurtisane sucht Jugend! Einen Augenblick scheint es, als wollten Vater und Sohn sich morden. Aber der Alte geht. Julias Geliebter ist Lorenzo. Knirschend erkennt der Kardinal die Niederlage. Aber noch gibt er sich nicht verloren. Lorenzo eilt allen voran. Sein Vater stellt sich ihm entgegen. Krachend saust die Axt des Sohnes auf das greise Haupt. Nun herrscht in Florenz ohne Widerstand Frau Venus. Auch die Kirchen dienen einzig dem Kult der Liebe. Ein Fluch Fantasyfilm; CDN Live Golf European Tour Geniale Rezepte gegen Fernweh.

Musikfilm; USA Horrorfilm; CDN Geniale Rezepte gegen Fernweh Weitere Infos siehe www. Teleclub und Warner Bros. Ab Mai im Kino www. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Teleclub — Behind the Scenes! Diese beiden Gewinner durften einen exklusiven Blick hinter die Kulissen einer Fussballmatch Produktion werfen. Stand Mai Im Filmangebot warten unsere Leinwandhelden John.

Fussballhelden Saisonstart Raiffeisen Super League Bundesliga Die Raiffeisen Super League: ab Juli auf dem Rasen und auf Teleclub. Es lohnt sich, wenn alles stimmt, ansonsten kann genau so bleiben, wie sie sind. Die Reise wird zum blanken Horrortrip. Entertainment Inc. Weitere Highlights finden Sie auf den Folgeseiten. Als Tes einen geheimnisvollen zwei aufstrebenden Magiern. Walter ist am Ende, doch seine Frau.

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Letzte Ausstrahlung 58 1 Live Safe Seite 8 1 Letzte Ausstrahlung 60 1 Seite 50 Welt aus Staub Sci-Fi; Robert Durst Drama; 1 Letzte Ausstrahlung 62 1 Zeichentrick 1 Drama; USA Seite 19 Actionfilm; E Letzte Ausstrahlung 64 1 Das Mississippi-Monster Gefahr im Verzug Gesunde Energie Seite 8 FSK Seite 8 Drama; USA Seite 27 Freunde, Nachbarn, Gefangene Letzte Ausstrahlung 68 1 Lawinen Urzeitriesen in Bewegung Seite 50 Abenteuer; GB Letzte Ausstrahlung 70 1 Das Runde wird zum Eckigen Seite 14 Letzte Ausstrahlung 72 1 Letzte Ausstrahlung 74 1 Seite 11 Drama; CH FantasyAction; USA Letzte Ausstrahlung 76 1 Louis Seite 50 Actionfilm; N, D Letzte Ausstrahlung 78 1 Spielfilm; Seite 52 Seite 22 Seite 16 1 Krimi; 1 1 Letzte Ausstrahlung 80 1 D, A Seite 12 TCE Seite 28 Western; GB Letzte Ausstrahlung 84 1 Schreck lass nach!

Seite 17 Letzte Ausstrahlung 86 1 William Wilson Schwadron California Western; USA The Larry David Sandwich Letzte Ausstrahlung 88 1 Seite 11 1 Die rechte Hand des Herrn Letzte Ausstrahlung 92 1 Fett — Das Experiment 1 Western; E, USA Seite 50 1 Ruf der Wildnis Into the Woods Kinderprogramm; Drama; F, D Das letzte Mal Letzte Ausstrahlung 1 Drohne Seite 18 Actionfilm; VRC Mach schon, Affe Stunde Drama; Drama; USA, D Seite 17 1 Der Wert eines Mannes Artists often and openly strive to gain cheap and large places in the city for working.

The struggle for free space and more space in the city, as in Zurich and other cities in the s, makes the studio issue resonate within the resistance against gentrification processes, that has sometimes ended up even in the occupation of buildings. How can it open new forms of resistance, and to what extent are artists and cultural workers today able to perform a revolutionary force and political subjectivity when the nature of work is changing? How can they re-claim and negotiate in these social changes? What is the impact of the open studio, as a form of activating and mobilizing audiences and a different way of organizing art?

How does the format of the open studio reflect the current tendency of international art exchange to be residency driven? How does it impact the process of production working conditions and labor economic conditions? Selected and reworked excerpts from the text by Dimitrina Sevova for the exhibition Theorem 4. Wohin nehme ich mein Atelier mit? Arbeit kann nicht ohne Gesellschaft gedacht werden. Der Begriff der Arbeit wird also von der Gesellschaft in der ich lebe definiert. Heisst das, dass die Schwerpunkte auf die alle wir, die in dieser Gesellschaft leben oder die sich in einer Gruppe dieser Gesellschaft in der man sozialisiert wird und sich befindet, definiert was Arbeit ist?

Worin besteht ihr Wert? But: Dialogues or having a counterpart is very important in my working process. Since I am working at home, I am kind of isolated. The motto was to produce inexpensive art for everybody while at the same time undermining the functioning of the art business. Somehow this subverting procedure became a slogan of the trio.

Their works often relate to art history and copying, interpreting and re-interpretation is an ever-recurring aspect of their work, which has continued to develop strongly over the years. But what runs through the whole body of work created by Mickry 3 is a sense of humour and a critical but never moralistic attitude towards society.

In the trio — who works exclusively in the collective — joined the Association of Swiss Sculptors AZB and moved to their conglomerate of workshops and exterior working spaces in the peripheral area of former gasworks in Schlieren. The association, founded in by a group of sculptors, among which artist Heinz Niederer, settled there in AZB functions as a self-sustaining association, the protected gasworks area, located on a property of the City of Schlieren, is in possession of the City of Zurich.

This overall environment has influenced in many ways the artistic practice of Mickry 3. Not least because the area seems to be an ideal place not only to work — but to spend time. The exhibition inspired an entire generation of relational aesthetics, both curators and artists, from Nicolas Bourriaud to Jens Hoffmann, from Philippe Parreno to Pierre Huyghe, as well as the post-digital discourse and new media art context, with theoreticians and curators like Andreas Boeckmann and Yuk Hui. You can download the text from here. If you are interested in joining our reading session, it is recommended that you to read it before.

Reviewing the historical significance of the exhibition, his text is accompanied by twelve contemporary meditations. The philosophers, art historians, and artists analyse this important moment in the history of media and theory, and reflect on the new material conditions brought about by digital technologies in the last 30 years. This book is an attempt to translate new understandings of transcultural connections into a dialogue. Contributions and insights by important actors in the cultural field such as Eugene Tan, Rem Koolhaas, Benson Puah, June Yap, Gwee Li Sui, and Philip Ursprung, Michael Schindhelm and Damian Christinger frame research by students from the Zurich University of the Arts, and create a multi-voiced and multi-faceted approach to understanding the rapidly-changing cultural topographies of Singapore.

Happy Tropics I consists of two parts that run literally parallel throughout the book. As Singapore becomes a global leader in both the financial and knowledge-production sectors, increasing emphasis is being put on both the production and dissemination of culture in the island-state. The question as to whether arts and culture will follow suit is being closely followed by other nations worldwide who aspire to similar developmental goals. Singapore can be thought of as a kind of laboratory for the enabling, production, education, and consumption of arts and culture.

Understanding culture as a mirror of society, instrument of national identification, and site for dialogue and exchange with other cultures allows us to view it as a litmus test for the resilience of an unprecedented societal concept. Within this framework, Happy Tropics I can be seen as a case study and a laboratory for different approaches to dealing with the challenges of globalization, as the cultural topographies of Singapore are not only changing, but also constituting themselves in our timeframe.


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Understanding the city as a responsive network that can be harnessed for research and education projects reflects this reality, and encouraged us to come with our students from the Zurich University of the Arts to Singapore, delving into its mesh and trying to learn that seeing eye to eye is so much more important then perceived hierarchies, a concept that is also reflected in the design and structure of this book.

If you are interested in our reading session please contact us! We will write you back with a copy of the book, and warmly recommend you to read it before the session. Contact: Miwa Negoro Corner College , miwa. Saturday, 21 January — Sunday, 19 February Opening: Saturday, 21 January at h Finissage: Sunday, 19 February at h Artist talks and other accompanying events to be announced.

The studio might be a space where a certain degree of autonomy can be detected. The studio is part of the productive flow of relations, subjectivities, institutions, places, materials, techniques. There are many possible places and non-places of the studio, but it can still be put mainly in two orbits, as an independent space of a solitude where the artwork is produced, and a more open idea of the studio, where the artwork is performed by artist-labor. It is often a shared space, a space of collaboration that engages with the performative domain of the aesthetics and politics of art production and its economic and social reality.

It also adopts the critique of the political economy as a method to look at the studio space and the practices there, its social and political impact on art, on the labor and life of the artist. In this way the project looks at how a return to critique and autonomy practices can perpetuate an emancipatory politics in art. Autonomy practices, aesthetic immanent critique and politics invent new living forms and socio-economic relations outside of capital, like generic commons, undercommons, etc.

Work is here used not necessarily to designate an art object. The working environment of the studio can be seen from many angles. At the same time, it remains a place where un productive forces play disalienated forms of labor in the work and life of the artists. The artist remains a free laborer who betrays the labor-power and slows down, or accelerates a virtuoso productivity.

The project inevitably asks, can the artist make a living from their art? How can they sustain their working environment relying on income from their artistic labor and art-work. Often, they inhabit the studio mostly in the time in-between several other jobs, while the studio is transformed and adapted to multitasked functions driven by project-oriented work, digitalization and internet. The productive process is automated between two applications for grants, in a diversity of institutional commands by e-mail and research work mostly based on Google searches.

Theorem 4. All form is a combination of all forces, a mix of human and non-human in the process of individuation. This precarious man-form is the extra-human ethical being of politics. Practice does not come after the emplacement of the terms and their relations, but actively participates in the drawing of the lines; it confronts the same dangers and the same variations as the emplacement does.

Autonomy is distinct from knowledge. As an intensification of power it regroups and redistributes. Despite this, the term of Autonomy has become increasingly derided in art and criticised as egotistical or even attributed to the hegemonic western ideology of the individual, as a result of the connection between the autonomy of art and the autonomy of the artist, and the equalization of both to aesthetic autonomy. Aesthetic autonomy goes beyond the art context to embrace life as a whole. Art is resistance, too.

These new subjectivities are precarious minor social formations, and to the extent that the artist is part of the precariat in the informal economy, they practice aesthetic autonomy, too. HD video. Lisa Biedlingmaier, undefined. For centuries, the studio has been perceived not only in its pragmatic function as a workshop or thought laboratorium but to a much larger extent as a place in which the premises of individual artistic identity can be fathomed.

The interior, whether a home office or a study room, provides clues to the personality living or working there. Series of 36 photographs. The L-Word - No mas metales HD video, 56 min. Photo: Maria Pomiansky. Courtesy the artist. What is the role of the painter's atelier in contemporary art practice? The archaic features are mixed with the needs of today's life. A painter 's atelier is one of the last bastions of non-computer activities. It can be interpreted as a manifestation of humanity. I would like to produce a painting which would change during the time of the exhibition and would be an attempt to view the atelier as a sacral symbol, a game where the human brain, the hand and the eyes play the leading roles.

Mapping Graphic Design History in Switzerland is not just another book that retells the success story of Swiss graphic design. It is a collection of eleven selected essays deriving from academic research that explores historical dimensions of graphic design in Switzerland — from producing it, to archiving and exhibiting it.

The book is also an endeavor to open up a space for graphic design history by providing new perspectives, ideas and tools that enable historical research in such a crucial field for Switzerland as graphic design and typography. On this occasion, the editors Davide Fornari and Robert Lzicar and publisher Triest invite you to celebrate the launch of the book. The evening will end with a toast on the publication.

Robert Lzicar is a designer, educator and researcher. In resonance with Cora Piantoni's exhibition Buon Lavoro! Focusing on proximities and correspondences between artistic processes, factory culture, and alternative radio strategies, context will be given to Gianfranco Baruchello, Gruppo N, Maria Lai, Olivetti and Italsider.

Prose of The Day — Poetic Resistance. Es sind alles Kultobjekte, Symbole unserer indistrualisierten Gesellschaft. Und die Fragmente der Installation Generation umkreist die Frage, was aus dem Sein im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit wird. Ein Aufruf, sich auf die Menschlichkeit mit all ihren Facetten zu besinnen. Sie studierte Philosophie an der Sorbonne. Eine Veranstaltungsreihe des Corner College.

A series of events by Corner College. Her films and videos explore how individuals forge their identities and shield their memories in the shadow of larger group dynamics and the socio-political systems in which they are cast, using personal narrative — its gaps and elisions, its specificity and opacity — to reveal how meaning is constructed, projected, protected, and perhaps deconstructed.

Within this space we can consider the nature of memory, the power of words, and the significance of all that remains unsaid. Born in Basel , lives and works in Zurich. The artist installs a three-days open laboratory at Corner College, which will end in a public talk and discussion. Namazi shows new work made during his residency in Zurich that utilises the Internet, installation and video formats.

In his talk he presents his new experiments and talks about his research and practice in general. Locating the numerous water fountains that are a feature specific to the urban experience of Zurich, Namazi re-imagines these sites as physical manifestos that are actualised as temporary non-hierarchical social platforms. A series of web pages have been created to map out a selection of these encounters. Through these online networks, linkages and locations - sound recordings, image editing and HTML programming are used to spatialize and demonstrate the physical and off-line reality on the virtual and online environment.

Brimacombe, Getty Pictures Archive. Aus Anlass des Ted Serios. Ted Serios starb am Dezember in Chicago. Zum Psychiater und Parapsychologen Jule Eisenbud geb. Eisenbud widmete sich den Forschungsgebieten der Psychiatrie, Psychoanalyse, Anthropologie und Hypnose.

Jule Eisenbud starb am Stipendiat u. Fokus seiner Arbeit liegt auf paranormalen Themen. Seine ausgezeichneten Filme werden im Kino als auch auf Festivals und in Galerien gezeigt. November - Freitag, November , ab h. The English language has no idiom it could directly translate to. Occasionally, one might use phrases such as: I wish you every success in your work! As a story teller, the artist follows the small narratives and undocumented oral history of ordinary working people, on the background of historical events like the Fall of the Berlin Wall, which shook the latitude and longitude of East-West and North-South in the economic dynamics, labor markets and the reorganization of production processes, reflected in changes in the notion of work and everyday life, with a special focus on manual workers and rather marginalized, unrecognized or unusual forms of invisible labor, like cleaning services, a climbing brigade, or ushers working in a GDR cinema, operators in studio cinemas, or, in an earlier work, conceptual artists who in Czechoslovakia did not follow the socialist-realist normative canon and preferred to make a living as stokers.

The exhibited body of work contains anachronistic and retroactive aspects. Through the use of video tape rather than the newest HD formats, Piantoni addresses video technology as such, and as a method of work. The video works are based on interviews, realistic portraits that give space to the workers, in which the artist appears as a witness behind the mechanical eye, conceptually avoiding special effects or superimposing a preconceived artistic language either in the shooting process or in the montage.

The image is sober, without formalization. With this approach, the artist foregrounds an unexpected presence rather than a representation of the subjects, the life of the ordinary workers as a work of art, mixing documentary fragments, archive material and poetic moments, driven by the rhythm of the direct speech of the subjects. In the history of moving images and cinema, there are two main streams, one in the line of D. The artist inevitably asks about the borders between art and daily life, work and labor.

The works are aesthetically and politically engaged to develop the ability of the viewer to see the subjects from a multiplicity of perspectives. This latest work comes out of a residency in Genoa in , where the artist encountered a local story from the Italian antifascist resistance of the early s that became a motivation to further investigate and follow the characters involved. It has something of the unusual genre of Nebula, embodied in a new Italian epic of revolutionary faceless and anonymous collective of activists and writers, as a collective persona, of political novels as guerilla communication, and prefigures new forms of affirmative resistance and direct action that intervene in the process of communication and mass media as ideological and technological dispositives of the society that are distinct from other means of political action, as well as hacktivism in the space of the Internet.

Design education is primarily learning by doing. And the layer of language that runs alongside this process is often neglected. Instructions and specifications, corrections and questions, fuse with practical work. And assignments, if written down at all, are rarely considered something worth saving. So how can we access and bring back assignments lost to the past?

What are the means of historic reconstruction? And what are the consequences of such methods? How does reconstruction differ from reenactment? How can historical assignments be made relevant for the present time? Assignments can give instructions, describe an exercise, present a problem, set out rules, propose a game, stimulate a process, or simply throw out questions. Taking a Line for a Walk brings attention to something that is often neglected: the assignment as a pedagogical element and verbal artefact of design education.

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This book is a compendium of assignments, edited by Nina Paim and coedited by Emilia Bergmark. A reference book for educators, researchers, and students alike, it includes both contemporary and historical examples and offers a space for different lines of design pedagogy to converge and converse. An accompanying essay by Corinne Gisel takes a closer look at the various forms assignments can take and the educational contexts they exist within.

Nicolasa Navarrete Illustrating Das Kapital. Volume one, 1 The end of truth Graphite on paper. The first chief function of money is to supply commodities with the material for the expression of their values, or to represent their values as magnitudes of the same denomination, qualitatively equal and quantitatively comparable. It thus serves as a universal measure of value.

And only by virtue of this function does gold. The equivalent commodity par excellence, become money. Cora Piantoni Songs of Work 2 channel video installation, sound, min, Cora Piantoni develops her films on the basis of interviews together with moving images and re-enactments of past events. Do the traditional songs still exist which reflect the monotony of the work, but also help to perform it? Besides the masons, Piantoni was interested in the background and culture of the students of the school which is now located in the building of the cooperative.

She connected the young generation of the students with the older generation of the masons who are working at the factory and are aware of the history. The table game offers a situation for curious and open people to contact with each other in a playful setting. It allows to inform each other and share and connect information and knowledge. Curious to play with us? Please register here! And: bring some values with you. We are expecting you with pleasure and curiosity! We are there on Sunday, 30 October, for two sessions of the game, hh, and hh. August im Corner College.

Photo: code flow. Es war in Ordnung. Sogar die Giftpflanzen sagten jedesmal wenn ich eine essen wollte: Nein! Wir sind giftig! Weil wir Freunde waren. In den Lebensmitteln drin geht es zu und her wie in einer Stadt Gedichte, Texte und Zeichnungen. Zine-Vernissage am Sonntag, Oktober um h. In den Lebensmitteln drin geht es zu und her wie in einer Stadt. Der Text ist noch nicht abgeschlossen.

In Fanzines, Ausstellungen, Radiosendungen. Zeichnungen an Performances, Gedichte als Teil von Texten. It understands itself as a node in a network of likeminded practitioners stemming from diverse disciplines and backgrounds. These relationships are lateral and projects emerge through ongoing conversations. The results are collaborative experiments, rarely shown in white cube settings but rather tested in flexible approaches across multiple sites from street to studio to online.

These incarnations are driven by a shared interest in tackling questions about the global urban condition. Re-readings and alternative knowledge is generated through a process of speculation. The politics intrinsic to the work and its creators do not only frame the content but, maybe more importantly, guide a practice of engagement. Diagram by Lia Perjovschi, portraits by Nastasia Louveau. Opening: Saturday, 08 October , starting at h with a performance by Gregory Hari at h. It really seemed to write itself. Frank Baum, the author of The Wonderful Wizard of Oz With his exhibition project at Corner College, Gregory Hari undertakes an experiment with the medium of exhibition and performativity, site specificity and the relation between mapping and performance.

The artist generates a performative map or diagram of movements and fragments that will open up a process, and project power-knowledge relations that reveal the hidden social and political issues and their potential to aesthetically and critically engage the audience. The performance confronts the audience with its archival moment across various narratives structures, and scatters in an-other geography of a journey as a vehicle for metamorphoses that go through contradictory permutations, as every act activates on this topography the performing strategies of an Odyssey.

The artist situates himself on a yellow strip around one meter wide, where his performance takes place. A journey like a blank page. In it is the hope of Resurrection. We feel green has more shades than any other colour, as the buds break the winter dun in the hedges. Hallucinatory sunny days. The grass is always greener on the other side of the fence. These are the yellows of hope. The joy of black and yellow Prospect Cottage. Black as pitch with bright yellow windows, it welcomes you. Yellow is a combination of red and green light.

There are no yellow receptors in the eye. No colour is as territorial. It stakes a claim, is on the alert against the spectrum. Early s. I join the march. The ghostly galleon of revolution past. We march through the deserted and derelict city with the sound of the wind whipping through the flags, a rosy galleon on the high sea of hope. The sunlight dyeing us red. Shipwrecked on the last coral-reef of optimism. The root of the red is life itself. I regularly lose a lot of hair. As hairs slide off, small rings form around my finger. I started collecting the rings.

I decided to take this ritual into a public performance. Losing myself, repurposing myself, I invite the audience to co-experience and participate in the destruction and rebuilding of my physical transformation. This public event follows three days of a durational performance with streaming. Durational performance on 27 - 28 - 29 September. One hair is trash. Million hairs is a woven record of my self. One Hair One Purpose is a 3-day long-durational performance taking this daily ritual into a conscious act of transformation.

One hair, the simple, single element that makes any transformation possible. It always starts with one thought, one action, the celebration of one disposable event. Where there are opinions, differences arise. The main topic of my videos could be defined as immigration, and following transformations of a personality. I think each immigration takes a minimum of 5 years of your life till you start to feel connected to a new place, understand the language, unspoken rules, and so on.

It became an important issue for me to learn a lot about the place where I live first Tel-Aviv, and now Zurich and try to build a dialog through my art practices video and painting. The longer I live in Western Europe, the more interesting it becomes to analyze certain things about Soviet life. Sometimes the Soviet, Eastern European utopia I grew up with becomes thus a distorted reality in the West.

The earlier videos, filmed in Israel, were all based on one principle. I was filming people doing some similar action. That trick is now widely used in cinema, advertisement and music clips. But at the end of the nineties, when I made those films, it looked quite fresh and original. I did quite many short videos with the same people, mostly Russian immigrants in their first years in Israel. They were artists, musicians, actors, fashion designers, etc. That created a special mood and atmosphere.

Filming the raw material for my Trilogy documentary about the perception of beauty, fears and happiness, I had to travel to Tel Aviv and back to Zurich, and Moscow was initially in my mind as well which led me back to my roots. Trying to answer a question, where do I belong, I realized that there is no answer and I just have to let myself flow with stream of life and not be obsessive about the past. Home of the Brave: Archeology of the Moving Image. Opening: Saturday, 20 August , starting at h with a performance by Discoteca Flaming Star at h.

Die Probetechniken der Improvisation sind molekulare Werkzeuge, die dazu dienen, Sand ins Getriebe der Kontrollapparate und der kognitiven Automation, die sie im Sinn einbetten — Werkzeuge zur Herstellung anderer Dynamiken in der Beschleunigung der Alltags im maschinischen Kapitalismus. The exhibition project is about the pleasure of enjoying the other, and sets out to produce an impersonal refrain made of polyphonic tunes and collaborative rhythms. It consciously considers the current post-Fordist conditions and the precarious situation of creative labor and the immaterial aspects of productivity today, to outline how all of us as agents in a network of relations, urgently need to invent our corporeal bodies dancing at the limit.

At the intersection of the practices of DFS and Bruckner, the exhibition dis-plays techniques of movement that can be used for rehearsals every day in our daily life, to linguistically, affectively and politically engage its audience. It does not require particular dance skills. The works of DFS and Bruckner trace the everydayness of practices of dance and movement, practices that need repetition and a consistency of imperfection.

The rehearsal techniques of improvisation are molecular tools for putting a spoke in the wheels of apparatuses of control and the cognitive automation they embed in the sensible, tools for introducing other dynamics in the acceleration of everyday life in machinic capitalism. The flexible dancing bodies that arc as a fish swarm between personal and social time, elude the usual coordinates of the floor. It probes how the concrete body is collectively produced with respect to motion and rest of its conjoined parts and their affective resonances.

The movement has its own presence, writes Simone Forti, an individuating power of impersonal, embodied social knowledge, to be thought in biopolitical terms, i. Affect is the power of the resisting body, of body struggles, of the dancing body. Affect distributes bodies across a larger space open to multiple durations. Affect is a body politics. It gives the key to an understanding of affirmative politics. The dancing body can de-limit negativity, disentangle itself from it. The way they treat, in their artistic practices, the aesthetics of the sensible and biopolitics, intersects in the positions and the works for this exhibition of the artists Discoteca Flaming Star and Johanna Bruckner.

Excerpt from the curatorial text by Dimitrina Sevova and Alan Roth. Yet, this process can in no way be reduced to a purely discursive revision or alternative representation of historiography. The concept of logistics is becoming increasingly centralized, to enable optimal co-ordination of commercial, digital and social interactions. The artistic work is to be presented in the form of a video installation, a performance, and research material. The fabric and its surface are the interiority of the movement itself, which produces an immersive environment not only to look at, but one which the audience walking in the space can feel or inhabit through their moving bodies.

Pieces of fabric cut to different sizes, cut across the existing space other temporalities. They are part of the long-term practices of Discoteca Flaming Star with banners, pieces of fabric, glued together and painted or collaged with text which appears irregularly on their surface in poetic lines that make another movement to that of the freely folding, hung fabric. They serve both as backdrop curtains for performances and as an independent, formless architecture within the existing architecture that unframes the space.

The movements of the banners shuffle the space; they are a spatial deterritorialization whose disorder forms into words. Sometimes they are concepts, or poems. In the words of DFS , they are think-text-iles. For their live performance dance construction Love Any Out of 90 Seconds End , Discoteca Flaming Star take the case of the little girl Esther who trained ambitiously to become a rhythmic gymnast. She wishes to develop to the extreme in her exercises her athletic excellence, to display perfect physical agility, coordination and grace.

As it turns out, under the pressure of her parents, Esther eventually left the field of gymnastics to undertake another education that would give her a better future. Now Esther is a woman who graduated from university, which has indeed given her greater opportunities in her life. Her memory has retained, inscribed in her body, the rigorous training of the movements of rhythmic gymnastics. These inscriptions in her body remind her that she did not manage to realize her childhood dream. In the duration of the performance, the dance movements bring her back to the time of her childhood, as they evoke her memory through her body.

Esther does not designate a proper name. Esther does not represent a subject, but a desiring assemblage, a collective persona of three and more, as everything written above in capital letters. She is a collective enunciation. The instruction is to love any out of these 90 seconds.

EDITED BY KATRIN KOHL AND RITCHIE ROBERTSON

To love. A verb in the infinitive! To mark processes like to walk, to love, to dance. The infinitive marks movements of deterritorialization. Esther dances together with Cristina , and Wolfgang sings. Their disjointed movements start to intersect more and more often to modulate an invisible diagram of individuation. Their movements are at the limit of their bodies and at the limit of their language. Logomotions and body movements interrelate. They double in the becoming of Esther. She is an assemblage — a material production of desires. Esther starts betraying her own memorized techniques of rhythmic gymnastics, displacing them with more improvisational and free movements, eluding the repressive apparatus and disciplining process to lose control, to push her desires to the real life experience, with the sensible quality of emotions and the fabulating movements coming from language.

Love makes the movements a dance of refusal. Love is not work! Dancing molecules, disconnected and at the same time all together. Every movement becomes a joyful autonomous event in a mass tune that gives the courage to Esther to traverse the abyss of the 90 seconds of death, of non-being and crying. I die. I leave. Dieser Raum, der immer auch ein politischer und sozialer Raum ist? With her recent work, Erica van Loon reflects on the physical interconnection between the human body and that of the earth, but also searches for ways to relate to their less tangible inner worlds, that we access almost exclusively by the mind; like processes inside our planet or the human sub conscious.

She often works with repetitive actions or visual and auditory rhythms, that she sees as an instrument for creating a state of mind that intensifies our sensory perception, and with that, our ability to connect with what is outside and inside of us. During night-time our attention turns inward and almost all input from the outside is paused. We temporarily shift to another state of mind. Most of the time, an encounter with an artwork is preceded by a multitude of sensory, emotional and intellectual interactions.

What happens if an exhibition is the first thing we are exposed to after waking up, when we have had little sensory activity and almost no interactions with our surroundings. By moving the usual timeframe in which we look at art, the viewer has a slightly altered state of consciousness. Does this result in a different susceptibility, a different reflection on the works? Does it affect how we perceive the succeeding reality of a day? As the exhibition was only open in the early morning, from sunrise around 5. And indeed people took the effort to get up early; some of them even arrived earlier than the curator or was she a performing artist?

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